El cuerpo como material artístico: Carolee Schneemann

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En el año 2004 vi por primera vez una imagen de la performance Interior scroll de Carolee Schneemann. Fue mientras estudiaba Historia del Arte, en uno de esos cursos que ofrecían créditos de libre configuración: “Cuerpo y culturas. Otras visiones desde el arte y la antropología”, dirigido por Sandra Martínez Rossi. Como digo, esa fue la primera vez –y la última- que vi obra de Schneemann en la carrera, a través de las fotografías que tomó Anthony McCall sobre la acción llevada a cabo en 1975, y me llamó la atención la fuerza que desprendía y cómo materializaba ese deseo de hablar desde dentro, desde las tripas, desde la vagina, desde su cuerpo y su género.

Interior scroll

“La vagina siempre había sido suprimida, detestada, negada religiosamente, tratada como si no fuera una fuente de placer, sensación y poder extremos. Siempre me ha preocupado mucho la vitalidad de la vagina y esa negación”, comentaba Carolee sobre esta performance.

En Interior scroll, Carolee aparecía ante el público ataviada con una sábana y un delantal y explicando que iba a leer un texto de su libro, Cezanne, she was a great painter. A continuación, dejaba caer la sábana y comenzaba a pintarse el cuerpo con barro, mientras realizaba una serie de forzadas poses. Por último, se quitaba el delantal y se sacaba un rollo de papel de la vagina, donde estaba escrito el texto de Cezanne, she was a great painter y lo leía en voz alta.

©Carolee Schneemann, used with the permission of Black Dog Publishing, UK, and PPOW Gallery, New York.

Estad preparadas:
para ser interrogadas
para cosechar malentendidos
para ser tratadas injustamente
tanto si vuestro éxito aumenta como si disminuye
Si eres una mujer (y las cosas no han cambiado por completo) nunca van a creer que tú lo hayas hecho realmente
Te subestimarán, te seguirán la corriente
Intentan dormir contigo para que les transformes con tu energía

Extracto de Cezanne, she was a great painter.

Schneemann alentaba así a la exploración femenina, no solo en el plano artístico, sino en el social también y a reconocer los cuerpos femeninos como herramienta de creación artística, más allá de modelos y musas. No olvidemos en estos años, que la sociedad norteamericana todavía censuraba la palabra “vagina” y todas las referencias sexuales, especialmente las femeninas. La sexualidad y el cuerpo femenino eran temas tabú que producían una alarmante ignorancia. Carolee no solo fue una precursora de la exploración femenina y del feminismo activista en el arte, también rompió barreras sociales y puritanas con sus trabajos.

Interior scroll

Carolee Schneemann se crió en Pensilvania, en el seno de una familia con una fuerte conexión con la naturaleza y el cuerpo. A pesar de recibir una beca completa para estudiar en el Bard College de Nueva York, su padre no apoyó la decisión de estudiar arte. En su etapa como estudiante en el Bard, Carole comenzó a percibir que los cuerpos femeninos no eran percibidos de igual forma a los masculinos. “Mis profesores siempre me decían: ‘eres muy talentosa, pero no asientes en tu corazón el arte. Solo eres una chica’”, recuerda la artista. En esta etapa Schneemann comenzó a pintar una serie de autorretratos desnuda. De hecho, Carolee se interesó por la pintura en primer lugar (y años después, seguiría afirmando que ella era pintora), en una mezcla de dadaísmo y expresionismo, aunque se describía como formalista. El ambiente del mundo pictórico de aquel momento violentaba a Schneemann, que lo describía como misógino.

Poco después, conoció a Allan Kaprow, impulsor del happening en los años 50 del siglo XX, y se interesó enseguida por este concepto. En Nueva York se codeó con Claes Oldenburg, Merce Cunningham, John Cage y Robert Rauschenberg y comenzó a crear piezas de artes vivas, en las que su cuerpo era el eje central. Una de las primeras obras que realizó la llevó a cabo en su propio estudio, un loft en la West 29th Street, un antiguo taller de pieles. La obra se llamó Eye Body: 36 Transformative Actions y Schneemann posaba desnuda para el fotógrafo Erro, con el cuerpo pintado y rodeada de plumas, espejos, serpientes y tablas de cortar pieles. “Quería que mi cuerpo real se combinara con el trabajo como un material integral“, dijo sobre esta pieza la artista.

Eye Body: 36 Transformative Actions

La obra más emblemática de este periodo es, sin duda, Meat joy (1964), una pieza en la que un grupo de mujeres y hombres bailaban y jugaban con materiales como pintura, pescado o pollo crudos. La artista quería representar una celebración dionisíaca, un culto a la carne humana y a lo erótico como ancestral.

Meat joy

Schneemann también tuvo una prolífica trayectoria en el campo del cine experimental. En 1964 comenzó el proyecto de Fuses, una película que finalmente estrenaría en 1967 y que mostraba los encuentros sexuales de la pareja Carolee Schneemann y James Tenney, con el objetivo de representar e interpretar las relaciones de igualdad, también en el sexo entre dos personas. El film fue intervenido por Schneemann con dibujos, pintura o collages sobre la película física. La cinta se podría clasificar como un porno feminista, aunque dista muchísimo del concepto de “porno” actual. Fuses fue proyectada en el Festival de Cannes y ganó el Premio Especial del Jurado de Selección. Sobre esta experiencia de proyectar su trabajo en el festival francés, Carolee contó en una entrevista: “Un grupo de mujeres y un buen grupo de hombres sintieron que la película les ofrecía una especie de plenitud. Dijeron que era muy positiva para ellos, y las mujeres decían que nunca habían mirado a sus genitales y que nunca los habían aceptado y que ésta era una oportunidad para integrarlos y para llegar a la ‘fusión’ que realmente buscaban. (…) Uno de los momentos más extremos ocurrió cuando estaba entre el público en Cannes. Unos cuarenta hombres se volvieron locos y rompieron en pedazos todas las butacas de la sala, las rajaron con maquinillas de afeitar, las trituraron, y lanzaron el relleno por todas partes. Fue terrorífico, y peculiar”.

 

Fuses

Fuses inició una trilogía que la artista tituló Autobiographical Trilogy (trilogía autobiográfica), que continuó con Plumb Line (1968), película documental que narra la ruptura sentimental y la reposición que debe hacer la artista de sí misma en este proceso, y cerró con Kitch’s Last Meal (1976) en la que lo inquietante de lo cotidiano y lo rutinario, junto con su gato, Kitch, se convierten en protagonistas.

Hacia los años 80, y después de su experiencia en el cine experimental, Schneemann empezó a introducir el vídeo y la instalación en sus piezas mientras que seguía explorando el cuerpo femenino y su universo en sus trabajos. Es el caso de Fresh Blood (1981–87),en el que partiendo de la menstruación establece una serie de paralelismos en una instalación multicanal; o el vídeo en colaboración con Victoria Vesna, titulado Vespers Stampede to My Holy Mouth (1992), donde repasan las torturas a las que ha estado sometida históricamente la mujer y las compara con el maltrato y tortura de los gatos a lo largo de los siglos. La artista también ha explorado otros temas sociales. Es el caso de Viet Flakes (1965), un collage audiovisual que defiende el movimiento pacifista que surgió como respuesta a la Guerra de Vietnam; More Wrong Things (2001), una instalación de catorce monitores que alterna imágenes del archivo personal de la artista y catástrofes globales.

More Wrong Things

Siempre ávida por crear y descubrir nuevos lenguajes y formas artísticas, Carolee a menudo se pronunciaba molesta por el efecto eclipsante que las obras de su primer periodo ejercían sobre sus últimas producciones, además la artista solía decir: “El trabajo más importante es el que voy a hacer mañana”.

Hace unos días Carolee fallecía a los 79 años de edad y este breve y superficial repaso por su trayectoria quiere homenajear a esta artista, clave para el arte contemporáneo y los movimientos feministas del siglo XXI, que con su propio cuerpo nos invitó a hablar desde el nuestro.

Carolee Schneemann

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Más información:

www.caroleeschneemann.com

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