Entrevista a Javiera Pintocanales, diseñadora editorial y artista gráfica

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Javiera Pintocanales es de origen chileno, y acaba de dejar Barcelona después de vivir en ella nueve años para radicarse en México, donde actualmente realiza una residencia de artistas. Trabaja en torno al diseño editorial, el grabado y las técnicas de estampación tradicionales, es especialista en los libros de artista como obras en sí mismas y su trabajo ha sido expuesto en ferias, galerías y museos de España y Europa. En esta entrevista nos explica sus inicios, la situación de la edición del libro de artista en su país de origen y en España, los detalles de su proceso creativo, una reflexión sobre el mercado de este tipo de piezas y sus proyectos actuales.

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Javiera Pintocanales trabajando en su estudio

FANI – ¿Cuáles fueron tus inicios como diseñadora editorial y artista gráfica?

JAVIERA – Estudié diseño gráfico en la Universidad Católica de Valparaíso, en Chile, que tenía una línea de experimentación editorial muy fuerte y donde también incorporaban el grabado y las artes gráficas al proceso de estudio. Ya viéndolo con distancia, reconozco que ejercicios y trabajos de esa etapa podrían considerarse libros de artistas ya que cuestionaban la lectura, la forma del libro e incorporaban obra gráfica original. Sin duda son la semilla de lo que hoy exploro y formalizo como práctica artística. Luego de terminar los estudios, me quedé trabajando en la universidad como profesora adjunta y como diseñadora en su editorial. En esa época confirmé que quería dedicarme al diseño del libro y viajé a Barcelona para estudiar un Máster en edición y poder profundizar más en el conocimiento del proceso de edición y producción de un libro. Como diseñadora me parecía que siempre nos encontrábamos al final del proceso de un proyecto editorial y fui en búsqueda de más herramientas para poder intervenir en su gestión y desarrollo, la edición de contenidos y en la producción del libro, para así lograr una relación más íntima entre el contenido y su estructura, y su diseño y construcción como objetos. Para ahondar más en esto último estudié tres años de encuadernación, para así entender la construcción formal de un libro y visualizar sus posibilidades de modificación, siempre en pos de esta coherencia con su contenido. También continué con la práctica del grabado y sumé nuevas técnicas como la serigrafía y la impresión tipográfica.

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Mapa de bolsillo de una ballena

F – ¿Cómo surge tu interés por los libros de artista?
J –
En Barcelona existe una enorme tradición de artistas gráficos y encuadernadores en torno al libro como objeto de arte, que ha estado presente en todas las vanguardias del siglo XX y encontrarme con ello de primera mano, fue muy revelador y ubicó mis intereses y mi trabajo.
Ahí conocí el libro de artista como una disciplina artística vigente y que reúne todos mis intereses: el diseño editorial, las artes gráficas, la impresión y la experimentación con el objeto del libro y la lectura.
Y fue a través de una primera invitación de la encuadernadora Georgina Aspa a colaborar en la creación de un libro de artista conjunto y a participar en una exposición, que comencé formalmente a trabajar el libro como soporte artístico. Y sin duda, fue muy emocionante descubrir que sin saberlo, ya estaba pensando en ello y haciendo cosas en esa dirección antes de poder precisarlo.

F – Como chilena asentada en Barcelona, ¿cómo valoras la situación de la edición del libro de artista en tu país de origen y aquí? ¿Este cambio de residencia ha influido de algún modo tu trabajo?
J –
Creo que en España, en comparación con Chile, existe más público conocedor e interesado en el libro como objeto de arte, aunque en comparación con países como Estados Unidos, Inglaterra o Francia, aún sigue siendo bastante reducido. Si bien en España aún no es una disciplina artística muy difundida, cada vez se encuentran más exposiciones y ferias especializadas y creo que es algo que va en aumento.
Con Chile me he reconectado en estos últimos años y noto un interés creciente en la edición artística, y aunque aun no existen espacios o ferias especializadas que permitan difundir esta práctica, hay personas que están haciendo un gran trabajo al respecto, como son Carolina Larrea y Javiera Barrientos.

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Cardumen

F – Me gustaría saber más de tu proceso de trabajo, cómo es la realización de uno de estos libros desde su idea inicial y cuáles son las diferencias que tendría ese proceso en comparación, por ejemplo, al diseño de un catálogo de arte o un libro ilustrado.
J –
El libro de artista es una obra que nace para ser libro; un libro que existe como obra de arte y que se muestra a sí mismo, no señala lo que está fuera de sí. Un catálogo tiene más que ver con la recopilación de una serie de obras que fueron reunidas en una exposición, que sin duda puede ser un libro artístico y una pieza en sí misma, pero que existe para ser un registro y responde a un encargo. Sin embargo, el libro de artista responde a la voluntad creadora del artista y busca su propia coherencia. Aun así creo que es un campo amplísimo de trabajo y experimentación y que las fronteras entre una cosa y otra pueden cruzarse de fantásticas maneras.
En cuanto a mi trabajo, las ideas vienen de temas o situaciones sobre los que me interesa investigar o aprender. Cada libro que he hecho muestra lo que he querido aprender. Tengo una curiosidad científica por entender lo que no conozco, por lo que para pensar y hacer un libro, me interesa investigar, recabar antecedentes, generar contenidos, buscar información y construir relaciones entre cosas que pueden ser distantes. Luego está el proceso de construcción del objeto que conlleva el desarrollo de múltiples maquetas y pruebas de materiales y técnicas.

F – Entre todos tus trabajos, ¿cuáles destacarías como los más importantes en tu trayectoria?
J –
Destacaría el libro “Cardumen”, desarrollado en colaboración con la encuadernadora Georgina Aspa, porque marca un comienzo y plantea que todo es válido siempre que exista una coherencia en el “juego” que plantea la obra. En este libro se relacionan la figura del pez con la de la letra y aparece una paridad entre sus partes que, por ejemplo, es capaz hacernos ver como equivalentes la cola de un pez con el trazo descendente de una letra.
En otro ámbito, destaco el libro “Límite por precisar”, ya que trabaja sobre un hecho político, económico y territorial y me interesa explorar el libro de artista como soporte para diversos tipos de problemáticas y situaciones.

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Cardumen

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Límite por precisar

F – En tu libro “Límite por precisar”, reflexionas sobre la propiedad del territorio y las fronteras. ¿Cómo surge tu interés por ese tema?
J –
La situación fronteriza entre Chile y Argentina en la que se basa este libro existe desde 1998, pero es un conflicto territorial incluso anterior, por lo que existe en el “archivo mental” de todos los chilenos y seguramente también de muchos argentinos.
La relación entre ambos países, como suele ocurrir entre países limítrofes, ha pasado por momentos tensos y existe entre cierta parte de la población animadversiones que nos separan, lo que desde siempre me ha parecido más una construcción política y mediática, que un problema real entre personas.
En el caso España y Europa, las fronteras también son líneas llenas de dramas e injusticias y creo que es necesario cuestionarlas y borrarlas tanto en nuestras prácticas artísticas como en nuestras relaciones humanas.
Cuando recibí la invitación a participar en una exposición de libro de artista sobre el tema del territorio me apareció clara la posibilidad de trabajar el tema de los límites y exponerlo para reflexionar sobre la ficticia construcción que suponen. Además de esto, la situación entre Chile y Argentina me pareció muy interesante desde el aspecto gráfico: cómo un lugar no tiene representación gráfica por falta de acuerdo político o cómo un lugar desaparece del mapa por intereses económicos.

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Límite por precisar

F – ¿En qué proyectos trabajas ahora?
J –
En estos momentos estoy en México, en Veracruz, en una residencia de artistas: La Ceiba Gráfica. Es un lugar increíble dedicado a la producción, investigación y educación en torno a las artes gráficas y me encuentro desarrollando varios proyectos en paralelo utilizando las múltiples instalaciones que posee. Estoy desarrollando un libro sobre las lunaciones y para ello, trabajando simultáneamente en litografía sobre piedra e impresión tipográfica con tipos de plomo. Además estoy trabajando una serie de piezas en linóleo que registran, a escala real, la diversidad de la vegetación de la zona, que es tan exuberante como inspiradora.

F – ¿Cómo pasan tus obras de ser una pieza única a ser una edición limitada, pero de mayor número de ejemplares?
J –
Mi trabajo se centra en el desarrollo de un libro único que conlleva un gran proceso artesanal en la realización de las imágenes que contiene (habitualmente dibujo a lápiz y realizo grabados sobre metal) y en la construcción formal del objeto (encuadernación, pliegues y despliegues). Las ediciones que nacen a partir de libros únicos, se convierten en nuevos libros, es decir, no solamente reproducen el libro original, sino que buscan ser una nueva versión del mismo que se ajuste a nuevos sistemas de impresión más masivos y que permitan llegar a un mayor número de lectores. En ese trayecto sufren muchas modificaciones en cuanto a su tamaño, materialidad y construcción, buscando mantener el espíritu del libro original pero entendiendo que se trata de una obra nueva que es coherente por sí misma y que busca llegar a un mayor número de lectores, explotando la dimensión reproducible y democrática que me parece inherente al libro. Me interesan esas dos dimensiones del libro de artista: el libro único y la edición, que veo como dos estados de una misma obra.

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Límite por precisar

F – Expones en ferias y galerías, realizas proyectos por encargo… ¿Cómo valoras el mercado del mundo del libro de artista? ¿Cuáles son las principales fuentes de financiación de este tipo de proyecto?
J –
Este tipo de libros se encuentran a medio camino entre el mundo editorial y el artístico, por ello es a veces difícil encontrar espacios de exposición o venta. Son piezas que pueden ser expuestas en galerías y museos, como también en bibliotecas o librerías, dependiendo de su fragilidad, posibilidad de manipulación o de su número de ejemplares. En términos de financiación, en su mayoría se trata de autoediciones, coediciones con talleres impresores o ediciones financiadas por galerías, dependiendo de la situación de cada artista.

F – ¿Crees que los libros de artista han ganado visibilidad y público en los últimos años?
J –
Creo que actualmente están reencontrando su lugar. Siempre han estado presentes acompañando a las grandes vanguardias y en recorridos creativos de numerosos artistas. Actualmente, con la aparición del libro digital y de nuevos soportes para la lectura, existe una revalorización del papel y de técnicas de impresión tradicionales que han sido desplazadas por otras más eficientes y productivas, lo que las ha “liberado” para su uso en ámbitos artísticos. Y sin duda veo en estos últimos años un creciente interés en esta disciplina, que puede verse en la aparición de ferias especializadas en varias ciudades de España. Esto es, sin duda, un buen comienzo para su divulgación y valoración, en lo que todavía hay mucho por hacer.

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Límite por precisar

F – ¿Qué influencia tu trabajo como artista gráfica y diseñadora? ¿Cuáles son tus referentes?
J –
Me interesa tanto el mundo editorial, como el de las artes gráficas, la encuadernación, la tipografía y el papel. En el campo editorial, me maravilla lo que ha logrado hacer la diseñadora Irma Boom en cuanto a libros como piezas artísticas, pero a su vez como productos editoriales, logrando que los libros que diseña tengan una enorme coherencia entre su contenido, su materialidad y su construcción. Admiro toda la tradición oriental en torno al papel y la estampa, y la historia del libro y la lectura no dejan de maravillarme e inspirar mi trabajo. Me interesa entender cómo las cosas se hacen tradicionalmente para luego en ello incluir variaciones contemporáneas y experimentales.
En cuanto a la impresión tipográfica, alucino con el trabajo que hace el suizo Daphi Kühne, me parece de una enorme fineza y oficio además de ser tremendamente moderno.
También me motiva e influye el trabajo de mis amigos, la gente que quiero y admiro, como los artistas Dario Zeruto, Ximena Pérez Grobet, Hélène Genvrin, Elies Plana y Eva Mengual; personas enormemente creativas y trabajadoras.
Y por último, la naturaleza, sus ciclos y seres, me parece la mejor y las más generosa e inagotable de las inspiraciones.

F – Nos gustaría que nos recomendaras un libro y una canción.
J –
Para mostrar algo de lo que se está haciendo en Chile, donde hay muy buenas cosas fraguándose recomiendo:
El último libro del escritor y poeta chileno Juan José Richards, el poema largo “Transatlántico”, publicado por Editorial Cuneta este 2015. Aquí una entrevista y, al final un extracto del libro.
Y aquí una presentación del libro.

El grupo chileno VariosArtistas. Una buena entrada es la canción “La edad del pavo“.

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Del viaje, el vuelo

 

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Más información :

www.pintocanales.com.es

Créditos de las imágenes: cortesía de la artista

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