José Jurado y la mediación cultural como práctica artística

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José Jurado (Villanueva del Duque, Córdoba, 1984) es un artista multidisciplinar, a medio camino entre la mediación y el comisariado, que enfoca su trabajo en las prácticas colaborativas y en las comunidades, ya sean vecindarios, -como, por ejemplo, en el proyecto Còlonia Castells, donde retrató desde dentro, y con ayuda de los vecinos, la vida de los residentes en este barrio barcelonés a punto de ser expropiados en plena burbuja inmobiliaria- o actividades sociales cotidianas – la serie “Resaca Nacional” presenta fotografías de restos de botellones a modo de bodegones barrocos-. Repasamos en esta entrevista, junto a él, sus diez años de trayectoria artística, que se cumplirán en 2017.

IRENE- ¿En qué momento te diste cuenta de que querías dedicarte al arte?
JOSÉ-
Siempre, desde muy pequeño me interesó el arte, pero el momento clave fue mi proyecto final de carrera “Còlonia Castells”. Antes había hecho una aproximación a este tipo de obra urbana y social en un taller con Mira Bernabeu, donde él nos recomendó que nos tirásemos a la calle; así que yo me fui a la calle, no sólo para conocerla, sino para conocer también a las personas que compartían ese espacio. Así surgió el proyecto granadino “La Chana”, realizado en el barrio de Granada donde viví dos años. A continuación de ese, surgió el proyecto sobre la Còlonia Castells, que no podía haberse hecho con el mismo procedimiento que “La Chana”, ya que cualquier otro tipo de registro no iba a ser tan potente como el que sus propios habitantes me dieron.
Còlonia Castells es un proyecto (al igual que la mayoría de mis trabajos) non profit, sin fines comerciales. Su objetivo es divulgativo, y creo que así se reflejó cuando se expuso en 2008, en la Sala d’Art Jove de Barcelona; la palabra la tenían los vecinos y las personas como José Luis Oyón. Fue el momento justo antes de que empezasen los derribos y se marchasen los residentes de las viviendas.
Còlonia Castells llegó a ser la zona con más okupas de Barcelona, y un espacio totalmente gentrificado al estar en una zona de presión urbanística clave. El trabajo habla de un momento concreto en la historia de Barcelona y España en plena burbuja inmobiliaria.

De la serie "Còlonia Castells"

Del proyecto “Còlonia Castells”

I- ¿Cuáles son tus influencias?
J-
Artistas que tengan un trabajo vinculado con y por la sociedad que les rodea, y no se sientan ajenos a las injusticias que nos envuelven, siendo capaces de removernos con su obra.
Una interesante clase fue la que recibí durante el máster de fotografía que realicé en Efti, por parte del fotógrafo David Alan Harvey, quien vino a darnos un taller. Él es un profesional que trabaja para grandes firmas como National Geographic y Magnum. No pude asistir a su clase un día y me dijo: “No te preocupes, nos vamos a una cafetería mañana temprano y lo que no pudiste hacer en clase, lo haces allí conmigo mañana por la mañana.” Y al día siguiente allí estaba esperándome para darme esa masterclass a mí solo; prefirió dedicarme a mí ese tiempo, en vez de a sus cosas. Conocer gente así enriquece, ya que te dice mucho sobre cómo hay que comportarse y la actitud ante la vida. Si das, al final la vida te acaba devolviendo de alguna forma.

I- ¿Este tipo de experiencias, tan personales, han influido en tu trabajo con las comunidades?
J-
Me gusta tener un trato cercano, mostrarme siempre a las personas como soy. De otra forma no hubiese podido trabajar con tantos colectivos y tan diferentes: siempre en horizontal y desde una posición ética, esto es, sabiendo que hay límites y que no voy a transgredir ninguna barrera que el otro no quiera. Por ejemplo, en 2010 en el Festival Mucho Más Mayo de Cartagena, cuando desarrollé el proyecto “Sendero Ciego” con personas invidentes, ellos tomaban las riendas en una serie de visitas guiadas por la ciudad y se les facilitaba el tiempo que quisieran emplear para mostrar sus percepciones sobre la urbe y el sitio donde viven, a través de sus sentidos. El trabajo en sí fue sencillo, lo complejo fue la gestión, pero fue una experiencia muy enriquecedora y que repetiría de nuevo, sin duda.

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Del proyecto "Retrato de España"

Del proyecto “Retrato de España”

I- ¿Este tipo de proyectos están abiertos a volver a realizarse o están totalmente cerrados?
J-
Sí, este proyecto, por ejemplo, me gustaría repetirlo, para tener ese contrapunto de trasladar una propuesta y ver cómo funciona en un sitio y otro.
Ha habido otros proyectos que he repetido, como “Móstoles visto por Móstoles” en 2010, que se realizó también en Villanueva de los Infantes (Ciudad Real), en 2014, con motivo de la apertura del Centro de Holografía y Artes Dados Negros, pero en este caso se repitió con la vinculación de diferentes personas que habían venido desde otros países, por motivos de trabajo, o de otro tipo. Lo que se les solicitó es que, para inaugurar la zona de cocina de la residencia del Centro, trajesen un plato con ingredientes de sus países. Podría parecer que yo simplemente les encargué el plato y nada más, pero lo cierto es que las semanas de antes estuve hablando con ellas, les ayudé a encontrar algunos ingredientes, incluso algunos los compré en Madrid y se los llevé al pueblo. De manera espontánea hubo personas que decidieron utilizar ingredientes sólo del pueblo para hacer sus platos. Quedé muy contento y fue una cosa muy simbólica, en la cual su confianza era clave porque ellas simplemente estaban invitadas a acudir ese día con un plato y al final se terminó convirtiendo en una celebración bastante emotiva. Personas que viven en el mismo lugar y que a veces no se conocen. Igual pasó en Móstoles, que a raíz del proyecto “Móstoles visto por Móstoles” la asociación de extremeños y la asociación de cameruneses organizaron un encuentro de folklore al verano siguiente.

I- ¿Crees que este tipo de proyectos artísticos colaborativos tienen una difícil acogida, o que no se entienden bien en el público no especializado?
J-
Creo que hay que explicarlos un poco, pero se entienden fácilmente cuando ven que estás dedicando tu tiempo y tu energía a esa tarea. También tiene que ver con ello el contexto del que yo procedo y mi interés por el otro. Me importa mucho la comprensión de los trabajos y, por supuesto y sobre todo, la comprensión de participantes y colaboradores. Así que empleo todo el tiempo que sea necesario para explicar por qué estoy haciendo lo que estoy haciendo, qué está sucediendo y por qué es necesario.
Esto me sucedió en Infantes también, en la beca de residencia A.I.R. Campecho en la que produje el proyecto “Retrato de España”. Fueron quince días de pedagogía intensiva, tanto de taller de pintura al uso (con acrílicos), como explicando por qué estábamos haciendo aquello en ese momento, en un país como España, tanto por lo que estaba sucediendo en los medios de comunicación con este personaje televisivo, como por el trasfondo del proyecto y la relación que se estaba entablando entre los participantes y yo, que a día de hoy continúa.

El anuncio de telefonía móvil que desencadenó el proyecto "Marca España"

El anuncio de telefonía móvil que desencadenó el proyecto “Marca España”

Del proyecto "Marca España"

Del proyecto “Marca España”

I- Organizaste y dirigiste el proyecto “Marca España” en Berlín, uno de los que mayor repercusión nacional e internacional han tenido.
J-
Fue cuando yo estaba viviendo solo en Berlín, porque ya se había marchado David Crespo, y tanto Arantxa Boyero e Ignacio Navas estaban viviendo en Madrid; lo hice en colaboración con ellos y nos comunicamos a través de redes sociales. La idea surgió al ver -y reflexionar sobre ello- en Berlín un póster de una campaña de telefonía móvil que ofrecía llamadas muy baratas a España, motivando a los emigrantes españoles a elegir ese operador. Fue una convocatoria y un proyecto muy especial que sigue en la mente de todos aquellos que formaron parte de él.
Hubiera incluido todos los pósteres que se presentaron porque hay mucha gente buena que se quedó fuera; y sigo teniendo en mente la idea de hacer un catálogo, en un futuro, con los seleccionados, pero incluyendo una recopilación de los que quedaron fuera. Una publicación digital, que estuviera colgada en red para que todo el mundo pudiera descargarla y verla desde cualquier punto.

I- ¿Crees que cada vez tiendes más a la mediación en tus trabajos?
J-
Sí. Además, me parece que esta línea es la que cada vez tendrá más presencia en muchos centros de arte; la transversalidad y una involucración cada vez mayor con las personas, yo llevo trabajando con estos métodos desde el año 2005, por lo tanto no me supondría ningún problema, sería natural.

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Del proyecto “La Cooperativa”

I- En tus proyectos a veces se percibe un trabajo claramente artístico y otras veces se vislumbra una labor de comisariado.
J-
En “Resaca Nacional”, por ejemplo, soy artista a la vieja usanza, con marcos bien recargados; pero en “Marca España” soy el mediador que hace posible que la obra llegue al público, a través de una convocatoria pública de pósters. Me interesan los dos campos, aunque dependiendo del momento, uno me llena más que otro. Si no hago más proyectos de obra física, como normalmente se entiende, es porque siempre me ha llenado mucho más el trato con la gente y aunque muchas veces no pueda transmitir toda esa red que se genera detrás del proyecto, sigue siendo muy enriquecedor. Además, he ido realizando una trayectoria progresiva: en “La Chana” me quedé en la calle; en “Còlonia Castells” doy la cámara para que ellos fotografíen su espacio; y en “La Cooperativa”, entro, ya físicamente, dentro de la casa de un grupo de personas cooperativistas para grabar unas entrevistas en vídeo. “La Cooperativa” es un proyecto documental de la cooperativa Trabensol, formada por personas mayores que deciden unirse para vivir juntos los últimos años de sus vidas; y en una sociedad como la nuestra, tal y como estamos, sobre todo los jóvenes, vamos a tener que repensar cuál va a ser nuestro futuro. Tengo a veces un punto pesimista en alguno de mis proyectos: la crisis, la gentrificación, los medios de masas y los personajes que generan, el éxodo de los jóvenes fuera de España… Como decía Machado: “Más vale ver negro que no ver”.

I- Bueno, igual más que pesimismo es una exposición de la realidad, de lo que acontece.
J-
No hay que ir a países lejanos, está mucho más cerca. Suceden cosas todos los días y tu vecino puede tener algo que decirte. En el proyecto de “Miradas compartidas” realizado en el barrio de Moratalaz de Madrid en 2009, yo estaba estudiando un máster en la Complutense y vivía allí, y me di cuenta de que no tenía que buscar un sitio lejano donde desarrollar el proyecto. Estaba haciendo las prácticas en un instituto del barrio y pasaba por delante de un centro de mayores todos los días para llegar a mi casa; me propuse trabajar con ellos durante una temporada. Personas, acciones y lugares para establecer una serie de coordenadas y miradas compartidas y ver a que lugares miraban en común diferentes personas del barrio. Esto se puede hacer en cualquier lugar donde vivas, tanto puede ser Madrid como puede ser un pueblo pequeño de Zamora.

Del proyecto "Resaca Nacional"

Del proyecto “Resaca Nacional”

I- ¿En tu obra hay algún tipo de trasfondo político?
J-
Todo arte es político. En todo hay un posicionamiento político, aunque creamos que no lo haya. Otra cosa es cómo quiera percibirse y como éste se quiera mostrar, puede ser más explicito o no.

I- Una de tus últimas series, “Resaca Nacional“, habla del bodegón del siglo XXI, los restos del botellón que elevas al nivel de obra de arte. ¿Cómo surge este proyecto? ¿Son obras más reflexivas que estéticas?
J-
Fue un proyecto que empecé a finales de 2011 para una exposición sobre comida y bebida, dentro del Gastrofestival de Madrid, que se inauguraba en enero de 2012 en la Galería Asm28.
Después seguí trabajando en la idea y recibí las ayudas de Injuve e Iniciarte, siendo mi proyecto más “institucional” por las ayudas recibidas, hasta el momento. Y estoy, por ello, ampliamente agradecido a todas las instituciones y personas que han colaborado en su finalización.
A la hora de producir el catálogo pensé que sería interesante que los textos los escribieran personas ajenas al mundo del arte contemporáneo, así que conté con uno de los mayores especialistas en pintura barroca y bodegones de España, Ángel Aterido y con un sociólogo especialista en la cultura del botellón, Artemio Baigorri. Sus magníficos textos hacen más rico el proyecto en matices.
Hay más reflexión que estética, puesto que la luz era la que era y no podía hacer nada; yo no tocaba los objetos, los fotografiaba tal y como me los encontraba en el espacio público. La estética en esta serie me importa en cuanto al resultado final, la importancia del marco barroco, el hecho de que la impresión de la foto sea de una textura aterciopelada para que se parezca a una pintura… Además, son piezas únicas y no hay copias de las obras.

I- Ya habías trabajado sobre este tipo de cultura urbana, el mundo de la noche y los hábitos alimenticios de los jóvenes al salir de fiesta en “Home Delivery”. ¿Tienen relación?
J-
No, aunque en Asm28 se presentaron juntas, por ser la temática sobre comida y bebida, dentro del programa del Gastrofestival. Una representaba el botellón y otra las comidas internacionales que se venden para saciar el apetito después o durante el acto de beber. “Home Delivery” fue realizada durante mi estancia en Manchester, allí todas las tiendas de alimentación tienen ese tipo de letrero luminoso, y cuando volvía a casa me fijaba siempre en ellos desde la segunda planta del bus. Me resultan llamativas este tipo de cosas que descubro en mis trayectos cotidianos, por la calle o en el lugar de trabajo o estudio. Muchas imágenes de este tipo recientemente las traslado a instagram, cosas que me llaman la atención y pueden o son el germen de futuros trabajos.

I-¿Trabajas con alguna galería?
J-
No tengo galería de momento, pero tampoco me preocupa, yo voy a seguir trabajando y no por tener o no tener galería vas a ser mejor o peor artista. Agradezco al sector galerístico de España la labor que hacen en los tiempos que corren, y soy un asiduo visitante de todas ellas. Creo que no veríamos el trabajo de muchos artistas de no ser por las galerías, pero al mismo tiempo también hacen de tapón mostrando solo algunos tipos de obra y formatos que lo que siguen es tendencias, y condicionan muchos premios y becas. Cristina Garrido hace en su obra un fino repaso a dichos formatos, especialmente con la instalación #JWIITMTESDSA? (Just what is it that makes today´s exhibitions so different, so appealing?), de 2015. Rosa Olivares recientemente también diseccionaba el estado de la cuestión en su columna ¿Qué nos ha pasado?.

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Del proyecto "#Puertas"

Del proyecto “#Puertas”

I- ¿Qué tienes que ver con los proyectos “Cultura poligonera” y “RURAL Contemporánea”?
J-
Son, más que proyectos, blogs y bitácoras donde voy subiendo posts y noticias de manera continuada, pero con espacios temporales entre ellas. “Cultura poligonera” lo llevo yo solo desde 2009 y “Rural Contemporánea” conjuntamente con el colectivo Fur Alle Falle, Iñaki López y Vanesa Castro, desde finales de 2010. Es una forma de mostrar cosas que se están haciendo en el medio rural y nos interesan; o la estética del extrarradio llevada al arte y todo tipo de manifestaciones culturales. También colaboro con el Centro de Holografía y Artes Dados Negros que abrió sus puertas a finales de 2014 en la localidad de Villanueva de los Infantes.
Me gusta conocer y mostrar el trabajo de artistas y colaborar en la medida que pueda con actividades y proyectos artísticos que creo que valen la pena.

I- ¿En qué proyectos estás trabajando ahora?
J-
Estoy preparando mi participación dentro de la colectiva en el CAAC de Sevilla “¿Qué sienten, qué piensan, los artistas andaluces de ahora?”, que abre sus puertas este próximo mes de noviembre y para ella voy a proponer una obra con la participación de la comunidad artística andaluza dando posibles respuestas a esa pregunta.
Sigo al mismo tiempo con otros trabajos abiertos como el proyecto documental “Quercus”, a largo plazo y sobre la migración desde Extremadura hacía Euskadi. Empezó en 2015 y se cerrará dentro de unos años, porque necesita una materialización perfecta para que el documento que quede sea bueno. Una comunidad muy grande de personas que emigró desde Extremadura a Euskadi a mediados del pasado siglo; mi idea es mostrar sus vivencias durante estos años en un lugar tan diferente a su tierra que, al final, es también suya. Llevo años pensando en la realización de un proyecto sobre las migraciones internas en España y el trasvase de población de unas regiones a otras, del cual Sergio del Molino en su libro de “La España vacía” nos ha hablado este año.
En Bilbao también he realizado otro proyecto este año con “Conexiones improbables”, una organización que trabaja en Euskadi desarrollando proyectos que vinculan personas de contextos artísticos con asociaciones y colectivos sociales que necesitan una aportación creativa práctica, o una nueva perspectiva para sus proyectos. En mi caso he trabajado con la asociación Atxurigorri en el barrio de Atxuri. Me propusieron como reto promover una participación ciudadana más activa.
El pasado mes de agosto estuve también junto a otros artistas en las III Jornadas de Arte El Cortijo en la localidad de Navas de San Juan (Jaén)

I- Y por último, recomiéndanos un libro y una canción.
J-
“La España vacía. Viaje por un país que nunca fue” de Sergio del Molino (Turner, 2016) y la canción del grupo Aguaviva – Poetas Andaluces (1975). Y si pudiese recomendar una novela gráfica sería “El mundo a tus pies” de Nadar (Astiberri, 2015).

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Más información: www.josejurado.com

Créditos de las imágenes: cortesía del artista

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