El archivo [de] Rosell Meseguer

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Rosell Meseguer (1976) es una artista visual que vive entre Madrid y Santiago de Chile. De brillante carrera académica, ante todo destaca su versatilidad a la hora de desarrollar sus proyectos, cuyo nexo común es la labor de documentación sobre la que se basan sus obras. Acaba de inaugurar en Tabacalera (Madrid) “Lo invisible”, muestra que se podrá visitar hasta el 17 de enero.

1.VENTANA I.2007. transitos

«Ventana I», del proyecto «Tránsitos. Impresión de tintas pictóricas a partir de diapositiva sobre dibond. 2007

I- ¿Cuándo empieza tu relación con el arte?
R-
Nací en Orihuela, que está entre Alicante y Murcia, la Vega Baja, pasando mi infancia en Cartagena y allí empezó mi relación con el arte. Con seis años le dije a mi madre que quería ir a clases de pintura; desde siempre me había gustado pintar. Las clases de pintura se impartían en una casa antigua del casco viejo de Cartagena, al lado de unas ruinas romanas.
La profesora de pintura, Conchita Garrote, lo fue todo en ese momento. Sería injusto valorar sus clases sólo como clases de pintura porque fueron mucho más. Ella supo sacar la sensibilidad que había en mí hacia las artes visuales y, además, el hecho de que ella tuviera mucha afición también a la literatura y a la música hacía que sus clases fueran muy diferentes. Fue una suerte aprender con ella.

I- Fuiste Premio Extraordinario de Doctorado y docente en la Universidad de Cuenca y en la Universidad Complutense de Madrid. ¿Cómo fueron esas experiencias?
R-
Decidí realizar la tesis porque lo consideré una magnífica excusa para viajar fuera de España. A la vez, como no quería dejar de hacer obra elaboré una tesis vinculada con la producción de obra. En cuarto de carrera estudié una asignatura de procesos antiguos fotográficos con el profesor Luis Castelo. Estos procesos me fascinaron y visto que compañeros míos realizaban tesis muy teóricas que les obligaban a dejar de producir obra durante cuatro o cinco años, quise evitar esa etapa.
Sigo en la docencia, con un número reducido de horas en la Facultad Bellas Artes de Madrid y una colaboración en un Máster de Fotografía en la Universidad Finis Terrae de Santiago de Chile. Me resulta renovador dar clase a gente más joven que siempre te aporta ideas.
Hace poco estuve en un taller con Alfredo Jaar, y comentaba que para él era fundamental seguir enseñando en universidades y trabajar en el ámbito público con el arte contemporáneo. Que dijera eso, para mí, fue una especie de agradecimiento al trabajo que realizo
Creo que en la docencia debería haber más artistas, más profesionales en activo como críticos y comisarios. Muchas veces el propio sistema diferencia entre el mundo profesional de las artes visuales y la universidad. Hay profesores que han intentado que eso cambie, un gran ejemplo es Víctor Zarza, crítico cultural y profesor.

2. demande de consultation. HISTOIRE NATURELLE-PALÉONTOLOGIE. fotografia color metacrilato. 2008

«Histoire Naturelle -Paléntologie», del proyecto «Demande de consultation». Fotografia a color sobre metacrilato. 2008

I-¿Qué fue antes: la investigadora o la artista?
R-
Realizar la tesis me ayudó a generar estructuras metodológicas de investigación.
Sobre este tema, hubo dos profesores que me influyeron durante la carrera. Domiciano Fernández, profesor de pintura, que me enseñó a desarrollar un único tema en un cuaderno con diferentes técnicas pictóricas. Esa propuesta la he llegado a extrapolar a otros medios y por eso es tan importante en mi trabajo la relación entre idea y materia. Algo que también ocurrió en la tesis: elegí técnicas fotográficas del siglo XIX porque estaba experimentando en mi obra con eso. Para mí es muy importante cómo elijo un material, su significado dentro del concepto que quiero desarrollar y eso liga con unas metodologías de investigación que estudié con Juan Millares, profesor de videoarte. Estas clases fueron muy importantes porque nos enseñó el proceso creativo dentro de la imagen en movimiento. Veíamos vídeo experimental. Millares nos mostró la obra final como una obra en proceso.

I- ¿Cómo es tu proceso creativo?
R-
Existe una idea, normalmente esta idea tiene un vínculo con alguna experiencia, vivencia mía o interés y, por último, hay un desarrollo de la idea, aunque no tengo una metodología establecida para esta etapa. Permito cierta espontaneidad y esto es curioso porque yo soy muy metodológica. Muchas veces voy al lugar, o a buscar algo, o hacer una entrevista, sin mucha información, a ver qué ocurre. Es como cuando vas a ver una película, puedes investigar un poco sobre el argumento,
pero, ¿quién quiere saber el final antes de verla?.
Es muy importante también el vínculo personal, a través de mis vivencias e infancia, por eso empecé diciendo que iba a unas clases de pintura que estaban al lado de unas ruinas romanas; el haber crecido en una ciudad costera, que lo fue todo y fue nada, haber nacido en un lugar que es un limite. Todo eso está en mi trabajo, los límites, la gloria, el olvido absoluto…

3.BATERÍA DE ATALAYÓN I.Impresión de tintas pictóricas a partir de diapositiva sobre dibond 2004

«Batería de Atalayón I» del proyecto «Roma versus Carthago». Impresión de tintas pictóricas a partir de diapositiva sobre dibond. 2004

I-¿Tus proyectos surgen a partir de estar en un lugar, o vas a ese lugar para desarrollar un proyecto?
R-
Considero que mis proyectos parten de un pasado; ese pasado me lleva a un presente y termino hablando del presente desde ese pasado. En todos mis proyectos hay una visión del presente que te remite a algo que ocurrió en el pasado. Y el pasado está ahí de alguna manera y sin él es imposible entender lo que ocurre hoy en día.
El desencadenante puede ser un lugar, como puede ser un libro. Por ejemplo, en el proyecto “Politics of Friendship” me centro en este libro de Derrida. Este proyecto surgió por una invitación para un Congreso que se realizó el año pasado en el Museo Reina Sofía, a su vez, yo tenía que invitar a otro artista, que fue Catarina Simao. Entre las dos decidimos intervenir este libro de Derrida. Ella lo hizo desde el punto de vista del colonialismo portugués y yo lo planteé como un texto que habla de las problemáticas entre amistad, poder y política, vinculando estos a Europa. Intervine el libro con material del continente americano; América revisando un texto europeo de hace veinte años: fotografías norteamericanas, recortes de periódicos argentinos y chilenos hablando de problemáticas contemporáneas; todo esto lo relacioné con los contenidos del libro para romper esa idea de que Estados Unidos o Europa son quienes plantean siempre la historia y poder dar cabida a otras lecturas.

I- ¿Arte de documentar o documentar el arte?
R-
Se producen las dos cosas. En los proyectos que he realizado hay un trabajo con prensa contemporánea en la que se basa una buena parte de la metodología de documentación. Estos documentos con los que trabajo no están intervenidos: es todo real. Teniendo en cuenta que sabemos que la información está sesgada y no es objetiva, el material pasa a ser proceso y obra en sí, ideas a desarrollar y estructura para generar una instalación o una obra.

4.2014

«Politics of Friendship», libro intervenido. 2014

I- Trabajas bastante con el libro de artista, ¿qué te proporciona este formato?
R-
Inicialmente funcionaba como un libro donde guardaba la documentación de los proyectos y después se embellecía inevitablemente, porque terminaba maquetándolo y al final era una pieza. Era la parte procesual, la parte de las ideas, la frescura. Siempre me ha gustado hacer los libros de artista porque no pasa nada si me equivoco, hay un grado de libertad que la pieza final no te permite.
Hace poco recordé que les hacía libros a mis muñecos con servilletas de papel, ¡incluso les ponía textos e imágenes!, ahí entendí por qué me gustan tanto los libros.

I- Llama mucho la atención la manera de presentar y exponer tus proyectos, porque son casi otra obra en sí misma.
R-
El montaje es el mejor momento porque realmente concibes cómo va a leer el espectador la obra. También es el peor momento porque se produce la duda, la preocupación, ¿funcionará o no?. Llevar una obra a un lugar , mantener su coherencia, reflexionar sobre la lectura que el público genere.
OVNI Archive” en ese sentido es una locura, se ha expuesto en muchísimos espacios muy diferentes. Es lo mágico del arte: me gusta tener que replantearme la obra, porque así, de alguna manera, no muere.

5.1999

«Primer boceto». Diferentes técnicas pictóricas. 1999

I- ¿El hecho de que tus trabajos sean «proyectos» y no «series» responde a un concepto de prolongación en el tiempo?
R-
Efectivamente, son proyectos abiertos. Se supone que hay una fecha de fin pero, por ejemplo, si encuentro un documento que tenga que ver con “OVNI Archive”, lo incluyo dentro del proyecto.

I- Sueles utilizar fotografía, pero también dibujo, instalación… ¿Hay alguna técnica que sea tu predilecta?
R-
No hay ninguna predilecta, pero la fotografía es esencial para entender mi trabajo. Esto me lo dijo Francisco Brugnoli, director del Museo de Arte Contemporáneo de Santiago de Chile hace unos años y no le entendí. Ahora me he dado cuenta de que tiene toda la razón. Siempre me han preguntado si soy fotógrafa y es cierto que mi trabajo sin la fotografía no puede entenderse.
En los últimos años me he reencontrado con diversas técnicas, como el vídeo o el grabado: estoy entusiasmada con el fotograbado y los polímeros.

6. OVNI III.2007

«OVNI III» del proyecto «OVNI Archive». Impresión de tintas pictóricas a partir de diapositiva sobre dibond. 2007

6. DOCUMENTACIÓN OVNI ARCHIVE

Montaje del archivo de «OVNI Archive» en Intermediae Matadero Madrid. 2010-2011. Fotografías, cortesía de Intermediae y Santi Burgos

I- Antes has hablado de dos de tus últimos proyectos, “Politics of Friendship” y “OVNI Archive”. El último es “Mc City”, ¿en qué consiste?
R-
“Mc City” es un proyecto impulsado por Gean Moreno, Eneas Bernal y Marta Soul, en el cual a seis artistas se nos invitó a seis países diferentes de habla hispana para realizar proyectos. A mi me tocó ir a Miami. Allí colaboré con Adler Guerrier, un artista miamense de origen haitiano que me enseñó cómo se había construido Miami. Precisamente en aquel momento empezaba la crisis inmobiliaria en España y quise hablar sobre cómo las decisiones de construir un espacio afectan a un individuo. Miami está construido a trozos, es como un patchwork.
Me entusiasmó trabajar con el periódico local, el Heraldo de Miami, y por otra parte hablar de la ciudad, que era un tema que yo no había explorado. Fue curioso ver como mi concepción como europea de la ciudad contrastaba mucho con la concepción norteamericana de Adler.
La característica de mi obra en “Mc City” es la fotografía con saturación de color, recordando esas imágenes de los 60 y del American way of life.
Sobre el título, “Mc City” viene de McMansion, un tipo de casa que se compra en urbanizaciones normales, se reforma y pasa a revalorizarse por encima del resto. “Mc City” alude también a McDonald’s, tiene ese guiño.

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«Hialeah III- Real Estates/Levels» del proyecto «Mc City» en colaboración con Adler Guerrier. Impresión fotográfica sobre papel de algodón. 2010-2014

I- Háblanos sobre la exposición en Tabacalera «Lo invisible».
R-
“Lo invisible” parte de una imagen-puente, esto es, cualquier imagen visual que parte de un proyecto y me lleva a otro. “Lo invisible” surge por un documento que habla de un instituto alemán donde han conseguido inventar una capa tridimensional que ocultaba objetos de pequeño tamaño. El documento lo incluí en el archivo de “OVNI Archive” pero, desde que lo vi, supe que ese sería el inicio de mi próximo proyecto.
Lo invisible es un concepto que ha estado presente durante toda la historia. Al principio me lo planteé vinculado a lo tecnológico y lo militar pero, a medida que iba investigando, me lo encontraba en lo místico, en la magia, en la literatura, en elementos muy antiguos.
En 2010 empecé a generar este archivo y, paralelamente, tenía pensado realizar una instalación con espejos, a raíz de una visita a un convento donde espejos colocados en el suelo permitían que te fijases en zonas que quedaban fuera de la vista. Tomé unas fotos de estos espejos y a partir de esto empecé a trabajar en la instalación y en el archivo de “Lo invisible”. Más tarde supe que los telescopios contemporáneos tienen espejos pulidos y entonces empezó a casar todo: el espejo, el archivo, la visión de nuestro mundo, del Cosmos…
Cada documento del archivo termina remitiendo al poder económico, si hablo de camuflaje hablo de comercio militar, si hablamos de poder y control, cada vez más países desean contar con un telescopio… Entonces retomo el término espejo, especulo y especulación. No son sólo los aspectos visibles que me interesan en este archivo, son las sutilezas invisibles y latentes que emergen del archivo lo que demuestra que toda visibilidad oculta algo.

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Montaje de «Lo invisible» en el espacio «La Fragua» de Tabacalera Madrid.

I- ¿Qué próximos proyectos tienes?
R-
Seguiré trabajando en “Lo invisible”, el proyecto se mostrará en otros espacios. Por otra parte, tengo un material audiovisual de la Patagonia que quiero retomar.
Este cuatro de diciembre inauguro “OVNI Archive” en el Museo de Arte Contemporáneo de Santiago de Chile y en noviembre se inaugura The White Point and the Black Cube
En el The National Museum of Contemporary Art, Bucharest, una colectiva comisariada por Diana Marincu y Anca-Verona Mihuleţ, donde se mostrarán algunas piezas de “Tamarugal”.
Llevo unos años interviniendo manuales, guías de mano, guías de ferias de arte y bienales, quiero seguir con este proyecto de “intervenciones invisibles”.

I- ¿Nos puedes recomendar un libro y una canción?
R- El libro es “Mi ultimo suspiro” son las memorias de Luis Buñuel. Habla de la antropología, del arte, de los sueños, de cuestiones históricas en España… Lo que más me gusta es que me encontré con este libro en Santiago de Chile, como si encontrara una parte de mi misma en este libro que he “devorado” en el metro de Santiago.
El último disco que sacaron Los Planetas, “Una ópera egipcia” me parece maravilloso, tienen una capacidad de mezclar la música contemporánea con el flamenco emocionante. Hay una canción en ese disco que me gusta especialmente, se llama “Señora de las alturas”.

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Montaje de «Lo invisible» en el espacio «La Fragua» de Tabacalera Madrid.

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Más información:

www.rosellmeseguer.com

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